Entrevista al director de fotografía Juan Carlos Gómez

 

Esta entrevista apareció publicada por primera vez en Cinedominicanot.net el 23 de septiembre del 2013

El joven realizador dominicano Juan Namnun conversó en esta ocasión con el director de fotografía, ganador del premio Goya, Juan Carlos Gómez quién ha fotografiado películas como “Gordos”, “Elsa y Fred”, “Azuloscurocasinegro”, “El bola” [por la cual ganó el Goya]; y es uno de los fotógrafos de cine más reconocido, actualmente, en las industrias cinematográficas de España y la Republica Dominicana, país en donde ha sido el responsable de las imágenes de películas tales como: La Maravilla, Colao, y Malpaso.

Juan Namnun: ¿De sus grandes predecesores en el manejo de la luz cueles le inspiran?

Juan C Gómez: A mí me interesa mucho la escuela de la Ufa, Greg Toland, Gianni di Venanzo…creo que los alemanes fueron innovadores, crearon escuela, de la que bebe por ejemplo el cine negro americano, también me gustan como le gustan a Guerin; Sven Nyvist, Raoul Coutard, Nestor Almendros. También Gordon Willis es un gran director de fotografía; más reciente me gusta Piort Sobocinski, hay un gran número de fotógrafos interesantes como Darius Khondjie.

Jn: ¿Cuáles fotógrafos que desarrollaron su filmografía en España le han influido?

Jcg: Hay uno en la década de los cuarenta que fue el gran maestro de todo el cine en blanco y negro, un director alemán Enrique Guerner del que fue discípulo Aguayo, este alemán provenía de los estudios de la ufa. Luego en el cine más contemporáneo sin duda la figura de Luis Cuadrado quien trabajó mucho para Querejeta, sus filmografías están unidas hasta la muerte de Cuadrado; quien murió joven. Y es probablemente la figura más rompedora, dado que había una escuela oficial de cine donde impartían clase los grandes maestros como Juan Julio Gaena y por ejemplo ellos consideraban que debían igualarse los interiores con los exteriores, si estabas trabajando en interior, el academicismo proponía que el exterior debía verse de igual manera. Cuadrado es el primero que rompe esa ley sobreexponiendo, dejando sin lectura, mucha luz digamos el exterior y esto es una innovación, en aquel momento significa una ruptura.

 

 

Jn ¿Cómo en la nouvelle vague?

Jcg: si…hombre…yo creo que en  la Nueva ola…pues los estilos fotográficos del cine van vinculados a la tecnología. La nueva ola francesa se produce gracias a la aparición de la camflex que es la primera cámara insonorizada ligera que se puede llevar en la mano…hubo una ruptura con el lenguaje cinematográfico con la llegada del sonoro. El cine mudo había logrado crear un lenguaje muy avanzado para su época y el retroceso que produjo el sonido al tener que blindar las cámaras ;esas cámaras enormes, pesadas ,muy dificultosas de mover, provocaron un retroceso visual probablemente sea la camflex francesa la primera que permita rodar con sonido director ,herramienta que permite manejarla a mano de ahí las películas que pudieron realizar Truffaut, Goddard y de allí es que sale Coutard quien es el primer fotógrafo que rebota la luz del techo, sencillamente porque al tener la libertad de movimiento con la cámara necesitaba iluminar todo porque se podía rodar para cualquier lado.

Jn ¿Cuál es la película?

Jcg:…es que no hay la película es como decir el cuadro de Goya, un cuadro de Picasso, o de Velásquez…hay cineastas que interesan como John Houston ,hombre , Stanley Kubrick, Bertolucci…la primera etapa de Storaro: “La estrategia de la araña” “Novecento” su segunda etapa me interesa menos Operadores hay que me interesan mucho como Conrad Hall también Roger Deakins, creo que es uno de los más adelantados en este momento, tiene su sello muy particular, una mirada especial, eres capaz de reconocer una película de Deakins sin ver los créditos me gusta mucho el operador de Roman Polansky, Pawell Edelman; hay una escuela polaca muy interesante pienso en “Azul” de Kieslowki.

Jn ¿hay diferencia entre la aproximación a la iluminación para un cortometraje y para un largometraje?

Jcg: depende de la historia, el trabajo del fotógrafo es contar la historia con la luz, cada historia tiene una forma de contarse y el fotógrafo debe encontrarla no hay una luz el reto es buscarla no debe aplicarse una misma luz a cada historia, se tienen herramientas: la paleta de colores, la textura, la calidad de la luz, se construye la estructura visual del guion.

 

Jn ¿regresaría al blanco y negro?

Jcg: a mí me gusta mucho el blanco y negro. He rodado alguna publicidad y un corto en blanco y negro…en España las televisoras son las que marcan la pauta y no quieren nada en blanco y negro de hecho “The artist” no la ha comprado nadie aun allá y a “Blanca nieves” la compraron por los Goya.

Jn ¿Ganar un Goya que significa?

Jcg: un reconocimiento…Alfred Hitchcock nunca ganó un Oscar, como todos los premios está bien como evento sirven para promocionar al cine pero son coyunturales si te los tomas en serio vas mal.

Jn: ¿Cómo definiría a lo esencial en la imagen?

Jcg: lo narrativo, no lo bonito, no lo bello por lo bello, que se esté dando la información precisa.

Jn ¿usted se supedita al director? ¿Si le pide algo que no se ve bien lo acepta?

Jcg: se negocia. Lo mejor es la colaboración. La complicidad, como Bergman-Nykvist Bertolucci-Storaro son dos pilares muy importantes. Cuando se produce la unión el resultado suele ser muy bueno. Como ya se  conocen a veces sobran las palabras.

Jn ¿Cómo describiría su trabajo con el equipo técnico?

Jcg: me gusta trabajar con el mismo equipo. Porque te conocen las manías, no tienes que explicarles como es el trabajo. Para mí es muy importante el ayudante de cámara y el foquista, el gaffer el maquinista, piezas fundamentales en el trabajo. Un buen maquinista resuelve.

Jn ¿Le gusta el movimiento dentro de la toma?

Jcg: depende…es como el zoom, hay gente que no le gusta el zoom, que si se utiliza bien es una herramienta tan válida como el stedycam. Las herramientas no tienen la culpa. Es el mal uso. Hay veces que necesitas en la historia un movimiento constante y otras que con un plano fijo lo cuentas mucho mejor. Suele suceder se camufla la falta de contenido con los movimientos, la cámara en mano, hay mucha gente que descubre la cámara en mano y piensa que eso es más veraz, mas documental…no han visto la nueva ola francesa no conocen a Raoul Coutard

Jn ¿A dónde cree que va la imagen con el cine digital?

Jcg: el cine es el cine. Digital o 35 es un soporte, es como el lienzo. Las historias no tienen que  ver con el soporte. Tú pones encima de un trípode una cámara digital o una de 35. Lo importante esta delante de la cámara. La luz, su construcción está delante, lo otro es registro. La latitud del digital facilita algunos aspectos del trabajo del fotógrafo y puede abaratar algunos costos. El espectador percibe casi subliminalmente nuestro trabajo una historia iluminada de manera contraria a la historia ejerce una influencia negativa sobre la película de hecho creo que hay películas que se malogran por un mal planteamiento visual de la imagen…pero no creo que el paladar del espectador medio saboree más diferencia.

Jn ¿un director español que le motive?

Jcg: Víctor Erice, Bardem, Berlanga es fundamental. Llevo diez años trabajando con Daniel Sánchez  Arévalo, tenemos una complicidad, un ambiente familiar de trabajo.

Jn ¿Qué elemento natural le gusta fotografiar?

Jcg: trato de no anteponer mis gustos personales. Pero cualquier elemento natural ofrece mucho para fotografiar. La tierra, el agua, pero dependerá del director.

Jn ¿Cómo maneja el color?

Jcg: el color es una parte importante, yo, al venir de l 35mm suelo manejar mucho la imagen en el rodaje, considero que es la mejor manera. Si hay un color que no existe en la imagen no lo conseguirás en la edición. A lo más el valor electrónico, un sucedáneo y eso se nota. La magia está en la luz, llegas a una locación y enciendes la luz, la colocas, la mueves, empiezas a agregarle sentido y se convierte en algo nuevo, emerge algo que no estaba antes.

Jn ¿Cuál es su formato de composición favorito?

Jcg: el 2:35

 

Jn ¿Qué óptica prefiere?

Jcg: la esférica. Da un buen contraste, hay óptica con mejor definición pero es más difícil para las pieles.

Jn : ¿Qué tanto le gusta ser escuchado por un director que tenga menos experiencia?

Jcg: yo estoy ahumado por el fuego de cien batallas, pero depende del director, él tiene que ejercer la labor de esponja. Yo lo único que le puedo brindar es el conocimiento que tengo. No puedo tutelarlo.

Jn ¿de las películas que ha fotografiado cual recomendaría como muestra de su trabajo?

Jcg  “Gordos” “El Bola” “Elsa y Fred” películas complejas que requerían un esfuerzo técnico y también artístico

Jn ¿Qué recomendación le daría a un aspirante a fotógrafo?

Jcg: que viese mucho cine. Hay que estar enamorado del cine para hacer buen cine y tiene que hacer mucha fotografía. Que tenga curiosidad que no crea que lo sepa todo. Hay mucho Adán que cree que ha llegado primero.

Pues hombre déjame decirte como despedida, que hablando de directores creo que en la escuela debe de enseñarse junto con matemáticas y biología a Kurosawa.

Trailer de Elsa y Fred

Trailer de Malpaso